A música renascentista a que se refere?
A música renascentista refere-se à música européia composta durante o Renascimento, abrangendo aproximadamente de 1400 a 1600. As definições do início do Renascimento foram complicadas pela falta de mutação no pensamento musical do século XV. Além disso, o processo pelo qual a música adquiriu características renascentistas foi gradual, e não houve consenso entre os musicólogos, que traçaram suas origens já em 1300 e até 1470.
Plano de fundo e recursos
A música renascentista desenvolveu-se a partir dos fundamentos da música medieval, sem interrupções bruscas na continuidade ao longo do período, mas sim transições longas e graduais começando com o domínio absoluto da linha melódica horizontal e o domínio absoluto do ritmo livre, contando apenas com o ritmo da o texto e desenvolvendo-se no modelo do canto gregoriano, rumo a novos parâmetros, é marcado pela noção de música embutida em um ritmo constante em sucessivos acordes verticais. Embora graduais, ao final do processo, as mudanças produzidas são profundas. Portanto, é impossível definir a música desse período histórico como um estilo unificado.
A música sacra continua sendo a mais prestigiada, mas a música secular é cada vez mais valorizada, favorecida pela burguesia poderosa e cortes abastadas que querem entreter a música.
Como outras artes do período, tornou-se comum a associação da música aos valores humanistas e à herança clássica representada pelas antigas culturas grega e romana. Há uma maior sensação de liberdade e um espírito de experimentação, testando os limites das regras e teorias. A invenção da impressão permitiu que papéis e partituras musicais circulassem em escala sem precedentes, ajudando a disseminar informações e a criar uma linguagem musical relativamente homogênea em toda a Europa.
Embora haja uma clara tendência de formar linguagens padronizadas com base em suas tecnologias, as formas e estilos de aplicação dos conceitos básicos variam amplamente, formando importantes escolas regionais de pensamento que trabalham com tradições e gêneros específicos. O período começou com o domínio da escola inglesa, que introduziu um terceiro conceito como espaçamento consonantal. Seguiu-se a Escola da Borgonha, onde se cultivou um novo estilo lírico que atraiu músicos de toda a Europa. Na primeira metade do século XVI, a escola flamenga francesa, chefiada por Josquin des Prez, dominou, levando a polifonia a um novo patamar de sofisticação, acrescentando sons e explorando ritmos complexos e texturas contrastantes, mas a escola italiana impôs gradativamente, sobretudo através Giovanni da Palestrina, que foi o principal responsável por um movimento para simplificar e esclarecer a polifonia, no qual os princípios clássicos de austeridade, racionalismo e equilíbrio foram plenamente incorporados.
Essas mudanças se refletem na música instrumental, e seu som é modificado para acompanhar a nova sensibilidade. Muitos novos instrumentos apareceram. Nesse período, a desintegração do sistema tonal e o surgimento do sistema tonal, baseado na escala sonora definida, novos conceitos de harmonia, dissonância, harmonia e afinação, e harmonia, deram início aos modernos princípios da harmonia. Progresso.. Houve também uma mudança fundamental no sistema de notação, aproximando-o da notação moderna, as melodias estão começando a romper com seu apego aos cantos gregorianos, há uma grande variedade de rítmicos. A polifonia ainda é a base principal da composição, mas é organizada de forma a seguir as regras da harmonia vertical e lida com diferentes sons de forma mais equilibrada.
As “formas fixas” das canções polifônicas medievais deram lugar a novas formas, como madrigais, frottola, villanesca e mentiras. A música instrumental começou a surgir independentemente do conceito de música vocal, surgindo na forma de instrumentos específicos, explorando suas sonoridades e habilidades específicas, como o figurino da viola, a dança do violino e a canzone sonar do teclado. Alguns gêneros, como rondeau e basse danse, são predominantemente vocais e se tornam quase inteiramente instrumentais. Na música sacra, surgiu uma forma muito importante, a missa cíclica, na qual fragmentos de cantos gregorianos serviam de tema que constituía toda a composição. No final deste período, a harmonia tonal estava bem estabelecida e surgiu a técnica do baixo contínuo, que se tornaria um dos fundamentos da música barroca. Finalmente, há o primeiro ensaio solo, com acompanhamento contínuo do baixo, que produzirá um dos estilos barrocos mais populares, a ópera. [9]
